Un asunto de amor (Love affair)

Dirigida por Glen Gordon Caron en el año 1994 y producida por Warner Bros. Clásica historia de amor entre un hombre y una mujer ya comprometidos que se conocen durante un viaje en avión que termina en accidente y deben pasar juntos una temporada en Tahití. Al regresar a sus vidas se separan prometiendo volver a encontrarse si sienten lo mismo, pero un accidente hace que uno de los dos no aparezca en su cita.

El amor es cálido, es pasión, es metafóricamente de color rojo, como la sangre o como el corazón. Por eso esta película se viste de colores cálidos y de luz en los momentos románticos y felices. La luminosidad llega a sus aburridas vidas en la estancia en el paraíso tropical.

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En estas imágenes todo es colorido. Predominan los verdes de la selva tropical, el azul de sus aguas, el dorado del sol radiante y el blanco de la vestimenta ligera típica de ese tipo de vacaciones. Además de estos momentos en que viven un idilio amoroso, los colores cálidos regresan al final del filme, apoyados por el rojo de la Navidad, cuando, al fin, están de nuevo juntos.

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Sin embargo, este estallido de color no sería posible de no partir de una situación inicial en el que estos sentimientos escasean. Pues, aunque yo haya decidido comenzar el análisis por este punto, la película parte de sus clásicos tonos tristes y monótonos.

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Se aprecia en estas imágenes la poca iluminación en interiores que le caracteriza.

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Según se ve en la imagen anterior, esta película es un gran ejemplo de cómo se pueden ensalzar los sentimientos del protagonista mediante el uso de la manipulación de la luz y el encuadre. El personaje se siente solo, triste, abandonado, pues le han dejado plantado en una cita que lleva tres meses deseando.

Por otro lado, hay algunos planos con puntos de luz, no todo en el filme es gris y oscuro. Hall sabe hacer esto muy bien.

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Con ele ejemplo de arriba, aprovecho para mostrar de nuevo los tipos de planos que predominan en el largometraje. Generales, con gran gusto por los pasillos y los puntos de fuga que generan en la imagen, primeros planos y, en el caso de abajo, planos medios. Pocas veces utiliza americanos.

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En busca de Bobby Fischer (Searching for Bobby Fischer)

Película de 1993 dirigida por Steven Zaillian (Acción civil) y producida por Paramount Pictures. Josh Waitzkin es un niño que encuentra su pasión por el ajedrez viendo a los hombres que juegan por dinero en el parque. Sus padres descubren su talento y contratan a un profesional para que le dé clases, quien le entrena y le lleva a diferentes torneos. Sus buenos resultados hacen que le comparen con el niño prodigio perdido del ajedrez, Bobby Fischer.

Me inclino a pensar que la clave de esta película es la felicidad infantil contra la seriedad adulta del mundo del ajedrez de competición. De hecho, hay un momento muy importante en la película en el que Josh, quien siempre ha tenido su habitación repleta de juguetes de colores descolocados por todas partes, pasa a tener la habitación aburrida y ordenada, sin ningún colorido. Por ello, el contraste de color frente a los tonos tristes color tierra que ofrece el ajedrez, es fundamental. Veamos ejemplos.

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En la primera imagen, su clase infantil llena de colorido. En la imagen posterior, esa tonalidad de marrones que emana de la madera del tablero. El niño se toma el ajedrez tan en serio que pierde poco a poco esa dimensión infantil y colorista.

Pese a los tonos oscuros y poco iluminados de los primeros planos de otras películas de este director de fotografía, en este largometraje los primeros planos están más iluminados, caracterizando de pureza e ingenuidad al personaje de Josh.

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Y es que esta película no trata de crear un mundo de estados anímicos negativos, sino al contrario, pues es un drama familiar con pequeños toques dulces, donde el único conflicto es caer en esa vida aburrida y robarle la infancia a Josh. Por ello ganan los colores cálidos. El ajedrez es un deporte, un entretenimiento que no genera más mal que más allá de eso. Sin embargo, como es característica en su filmografía, no pierde ese toque de colores fríos.

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El negro y blanco del juego son colores recurrentes.

En cuanto a la iluminación, se sigue tendiendo a los claroscuros. Da la sensación, como en todas sus películas, de que la luz que se filtra por las ventanas es muy poca, o que faltan lámparas. Claro que todo tiene un sentido y esto aporta una buena sensación en la estética general.

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Como se puede comprobar, de nuevo hay un gran contraste.

Hablando de sus típicos planos, los primeros planos ganan, pues se abusa de ellos en los cara a cara que se generan en el juego del ajedrez. Así como los numerosos planos detalle que surge a raíz de lo mismo.

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Aunque Hall no se olvida de sus planos generales.

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Después de tantas entradas, se pueden ir viendo con claros ejemplos las ideas que propuse sobre las características del cine de Conrad Hall, y espero que vaya quedando claro el tema al que quiero llegar. Es difícil expresar con palabras ese “no se qué” que él tiene. Simplemente sabes, cuando ves otra película de él, que lo ha vuelto a hacer.

Acción civil (A Civil action)

Dirigida en el año 1998 por Steven Zaillian y producida por Paramount y Touchstone Pictures. Un abogado experto en lesiones, Jan, emprende un difícil caso judicial para defender a unas familias, cuyos hijos han muerto por leucemia en extrañas circunstancias, contra a dos grandes empresas, acusándolas de haber envenenado el agua con sus residuos contaminantes y ser responsables de dichas muertes.

Como ya se ha mencionado anteriormente, Hall representa el mundo de los personajes mediante la iluminación y los colores en forma de sutil metáfora. En este caso, el mundo de los juicios y los abogados sin escrúpulos es gris y deprimente. La paleta de colores de la que, de nuevo, abusa es la gama de fríos (gris, marrón, negro, blanco, azul…).

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Nos vuelve a dejar a oscuras, incluso en el juicio, siempre en pro de esa estética de intriga y ese mundo corrupto que es la justicia. La luz siempre proviene de puntos como pequeños focos, lámparas y ventanas. Es un tipo de luminosidad muy blanca y poco potente.

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En este caso, el contrapunto para esta ausencia de luz es el uso del color blanco, tal y como sucede en el caso de Camino a la perdición, aunque Acción civil es anterior. El blanco se ve en la nieve, en el cielo y en el agua.

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En cuanto a los planos, en esta película ya no hay ese contraste de plano general versus primer plano, aunque hay muchos planos detalle que son clave. Continua su gusto por los planos amplios, sin embargo los primeros planos ya no son tan comunes. En este caso, hace un uso mayoritario de los planos medios, tal y como se puede ver en imágenes anteriores.

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Estos planos generales muestran un universo frío, deprimente y triste. Un universo donde niños inocentes fallecen a causa del agua contaminada por los vertidos de las grandes empresas. Y es que, con este tono de largometraje, el espectador se siente exactamente así.

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He aquí un ejemplo de esos planos detalle que no pueden faltar. Los tonos y la iluminación son los mismos que en el resto de planos. Ese es el estilo de Hall.

Camino a la perdición (Road to perdition)

Dirigida de nuevo por Sam mendes (American Beauty) en 2002 y producida por Dreamworks, 20th Century Fox y Zanuck Company. Es la historia de un padre, Michael Sullivan, y un hijo, Michael jr., que durante los años de la Gran Depresión deben emprender una huida juntos después de que el niño sorprendiera a su padre realizando trabajos de sicario para el Señor Rooney, quien manda asesinar a su familia por haber descubierto el secreto.

Una clásica historia de mafias durante la ley seca en la que sus personajes se mueven en un ambiente de asesinatos, ajustes de cuentas y crisis financiera. La luminosidad que Hall elige para este filme es, de nuevo, oscura. Gran parte de la historia sucede en la noche. De nuevo los tonos son grises y colores fríos.

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Las imágenes anteriores ejemplifican estas características, además de mostrar planos generales. Recordemos que Hall, aparte de abusar de esta amplitud de planos, contrasta con primeros planos, generalmente con claroscuros.

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En este caso es un primerísimo primer plano en el que se muestra la reacción del personaje.

Si en el caso de American Beauty el contraste de color venía dado por el rojo, que hacía las veces de metáfora, en esta película es el color blanco y sus diversas tonalidades. El cielo muy claro, el mar, la nieve…

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Hay un plano en esta película que recuerda a la escena de la cena en American Beauty, una cena de la familia Sullivan.

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Como se puede ver, todas sus películas guardan elementos en común, bien sea el tono, el color, la luz, el encuadre… Esta imagen aúna todas sus características más destacables en ese sentido.

American Beauty y el color rojo

Dirigida por Sam Mendes en 1999 y producida por Dreamworks. Es la historia de un padre de familia, Lestern Burnham, que odia su trabajo y está cansado de su vida y su mujer Carolyn, quien no presta atención a su vida matrimonial. Un día, se siente atraído por la joven y guapa amiga de su hija Jane, y desde entonces comenzará una serie de cambios en su vida motivados por el afán de impresionarla y su deseo de libertad personal.

Estamos ante la historia de una familia cuya vida es aburrida y rutinaria, donde escasea el amor y se avecina un asesinato. La vida de esta familia es, por lo tanto, metafóricamente gris, y así lo pinta Hall mediante la fotografía. Todo en esa casa es triste, monótono y oscuro.

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La película se presenta así, con un plano general mostrando el barrio residencial donde el protagonista y narrador cuenta que vive. Solo por esta imagen ya se sobreentiende que no es el sitio más feliz del mundo. Todas las casas parecen iguales y todo es de tono oscuro. Como es muy común, es un plano panorámico.

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Toda la decoración de la casa y su iluminación es igualmente grisáceo y oscuro, salvo por pequeños puntos de luz, como las velas en este caso. De nuevo, un plano general para describir cómo es su vida. En esta escena ya se introduce un punto de color, el ramo de rosas rojas, lo cual va a ser algo muy repetido y clave.

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Primeros planos y claroscuros van de la mano en el cine de Hall, junto a esa ausencia de color. Se presenta así a unos personajes que no esconden nada bueno y en cuya vida la felicidad escasea.

Sin embargo, en este ambiente tan triste, hay un elemento de color recurrente que materializa los conflictos del largometraje: el rojo. El rojo de las rosas y de la sangre. De la pasión y de la muerte. En un universo gris en el que vive un hombre atormentado aparece la pasión sexual que le despierta una chica joven y guapa, acompaña de rosas rojas en sus fantasías. Contraste.

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La pasión y la muerte están unidas. Es curioso cómo contrasta también el mismo cartel de la película en comparación a la monotonalidad que conlleva en sí misma. El cartel son todo colores cálidos y una gran luminosidad:

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Si en Dos hombres y un destino eran tonos tierra en son a la naturaleza salvaje del oeste, en American Beauty son el gris de la tristeza y el rojo de la pasión y la sangre.

Dos hombres y un destino (Butch Cassidy and The Sundance Kid)

Película de 1969 dirigida por George Roy Hill y producida por 20th Century Fox. Trata sobre una banda de delincuentes dirigida por Butch Cassidy y su inseparable compañero Sundance Kid quienes se dedican a robar bancos y asaltar trenes. Tras un atraco, la banda se separa y Butch y Sandance conocen a una joven maestra, con quien deciden viajar a Bolivia huyendo de la justicia y allí seguir dedicándose a la delincuencia como un trío de forajidos.

Para ejemplificar lo expuesto en la entrada anterior sobre las características generales de la fotografía de Hall, voy a ir punto por punto, acompañando con imágenes.

Los planos generales de esta película son asombrosos, como es usual en el cine western, caracterizado por ensalzar la belleza, y peligrosidad al mismo tiempo, de las tierras del oeste, con esos paisajes inexplotados. Este tipo de planos generales es numeroso en el cine de Hall.

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Como se puede apreciar en la imagen, los colores predominantes son la escala de marrones, solo rota por la intrusión del verde de los arbustos. Los caballos, la ropa, las casas… todo es marrón. Se mimetiza con el entorno de este mismo color de la tierra de esos paisajes típicos americanos del oeste. Hall consigue así aportar ese tono durante todo el largometraje.

La iluminación en ese momento es luminosa, pues es un día soleado. Esto contrasta con otras escenas donde predomina la oscuridad, la cual contrasta con la luz reflejada en el rostro de los personajes.

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En esta imagen, por el contrario, se muestra un primer plano oscuro. Ambos tipos de luminosidad y amplitud de plano predominan en sus películas como un contrapunto.

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Como se puede comprobar, predominancia de tonos tierra, planos amplios, contraste con colores vivos como el azul del cielo y el verde de los árboles, y colores fríos por lo general.

Su estilo propio

Realizado un análisis de su estilo mediante el visionado de sus películas más importantes, se pude hablar de la huella que deja en cada uno de los filmes que realiza. Y es que cada película es diferente, pero su mano se nota. En este blog voy a comentar sus características en seis de sus películas, a saber Dos hombres y un destino, Buscando a Bobby Fischer, Un asunto de amor, American Beauty, Camino a la perdición y Acción civil. Cada una de ellas es muy diferente a la anterior, pues tenemos western, romanticismo, drama, gánsters…

Sin embargo, comentaré aquí sus características principales, en las que posteriormente ahondaré en cada título.

  • Planos: Ni muy lejos ni muy cerca. Parece que Hall es una persona que aporta mucho contraste, hablando de lenguaje audiovisual claro está. Es capaz de deleitarnos con el más minucioso plano detalle, o el más emocional primer plano, y, al segundo siguiente, mostrarnos un gran plano general de impresionante belleza (y amplitud). Pocas veces llega a un término medio, o no es relevante. Muestra interés por planos abiertos y primeros planos.
  • Iluminación: Ha quedado claro su gusto por dejarnos a oscuras en un halo de intriga, o , al menos, con menos luz de la normal. Los personajes surgen entre claroscuros, en muchos casos llegando incluso a ser molesto para el espectador. Sin embargo, no todo es oscuridad, pues como ya dije anteriormente, es un hombre de contrastes, y nos sorprende con escenas muy luminosas para contrarrestar.
  • Color: La vida en gris. En muchas de sus películas parece que está nublado. O, en su defecto, el marrón es el otro color de Hall, dependiendo del momento y del filme. Abusa de los colores fríos, dejando los calientes para momentos puntuales (¡Contraste!). Es un punto de vista subjetivo, una forma de mostrar cómo es la vida de los personajes en forma de color.
  • Tono y estética: El universo que recrea Hall en sus películas en monócromo, resaltando estados anímicos negativos de los personajes y contrastándolos con colores muy claros o intensos. Esto influye bastante en el modo del espectador de percibir la historia, pues se adentra un poco más en los sentimientos implícitos de los protagonistas. Esto se ejemplificará más adelante. Es cierto que en cada historia los casos son diferentes, pero la sensación del espectador es parecida gracias a ese tono común que tienen todos los filmes, como si faltasen los colores.

Conrad Hall, director de fotografía.

Bienvenidos y bienvenidas a este pequeño homenaje al mundo de la fotografía dedicado exclusivamente a Conrad L. Hall.

Este hombre, desgraciadamente ya fallecido, se dedicó durante muchos años a la industria del cine estadounidense, concretamente a la dirección de fotografía, aunque realizó más trabajos que este. Aquí no voy a ahondar en su vida, pues para ello hay en este blog una pestañita arriba del todo con su biografía completa, así como su filmografía y la sección multimedia, donde se pueden encontrar entrevistas.

Pero, ¿Qué es un director de fotografía?

Muchas personas ignoran la existencia de esta figura en la producción cinematográfica, aunque su aportación a la película es clave. Un director de fotografía es, como su propio nombre indica, el que se encarga de dirigir al equipo de fotografía en un rodaje, es decir, el quipo que aporta la iluminación, el color, el encuadre… siempre bajo los deseos del director del filme. Digamos que es el conversor de la intención del director, quien le explica qué es lo que quiere conseguir en la escena, en una imagen, jugando con la tonalidad y los planos. Su trabajo es conseguir una cierta estética y calidad para la película, aportando un estilo personal de creación artística. Nos gusta considerar que el director de fotografía es uno de los autores del producto, junto con el director, el guionista, el productor y el compositor de la banda sonora.

Aparte de ser creativos, deben tener un gran manejo técnico de los aparatos tecnológicos, pues es con lo que trabajan. Estamos hablando de las cámaras, las luces, las grúas… En ocasiones desarrollan un papel más importante, en cuanto a tener que tomar decisiones de producción, siempre en cuanto a la luz, tiempo, localizaciones o los aparatos que necesitan para un resultado concreto. También deben saber de guión, pues son ellos los encargados de volcarlo en algo visual, con un tono adecuado, y además ponerse de acuerdo con el departamento artístico para realizar los escenarios, vestuario…

En definitiva, es un gran trabajo que requiere muchas horas y mucho esfuerzo, y que no empieza ni termina exclusivamente en la temporada de rodaje, como otras ocupaciones.

Y, ¿Por qué elegir a Conrad Hall?

Porque es un buen ejemplo del estilo propio que aporta un director de fotografía. En este caso es muy notable la firma de Hall en todas sus películas.